El Espejo Pintado

La Tierra es la primera producción audiovisual de Disney Nature, sello creado para realizar filmes que apunten a la concientización ecológica a nivel mundial. Se trata de un excelente documental que sorprende por la pregnancia de sus imágenes y la grandilocuencia de su banda sonora.

La película transporta al espectador a los lugares más inaccesibles y hermosos del Planeta Tierra. Cuenta a través de una voz en off, hilo conductor del relato, la lucha por la superviviencia que afrontan distintas especies animales como: los osos polares del Ártico, que resisten a la escasez de alimentos y a los cada vez más frecuentes deshielos y los elefantes africanos que huyen de las extremas sequías. También muestra el heroico viaje de las grullas y de una ballena con su cría, en busca de climas más favorables que les permiten cumplir con sus ciclos vitales.

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Lorna (Arta Dobroshi), la protagonista de este filme, suscita y mantiene el interés del espectador desde el principio hasta el final del relato. Resulta un personaje atractivo, una mujer completamente decidida a cumplir su objetivo, por momentos fría,  desaprensiva, víctima solitaria del hastío y la manipulación de la cual es objeto.

Ella no es dueña de su propia vida,  vive bajo las órdenes de un mafioso de poca monta, hasta que sucede algo inesperado que tuerce su destino y despierta su sensibilidad, en un intento desesperado por recobrar su dignidad.

El Silencio de Lorna, de los prestigiosos cineastas belgas Jean-Pierre y Luc Dardenne - El Hijo (2002)- El niño (2005)- cuenta la historia de esta inmigrante albanesa que para obtener la ciudadanía belga, se casa con un drogadicto, Claudy (Jérémie Renier), a quien supuestamente le quedan pocos días de vida. Fabio (Fabrizio Rongione), el mafioso con el que ella se asocia para lograr su mayor propósito: comprar un bar con su novio Sokol, tiene como próximo plan casarla con un delincuente ruso, no sin antes matar a su esposo.

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Cada familia es un mundo diferente a otro. ¿Cuántas veces oímos esa frase?. ¿Cuántas veces se repite al final de alguna conversación en la que se trata de justificar o comprender el accionar de sus integrantes? Es que algunas historias familiares son tan complejas, tan extraordinariamente enmarañadas, que es imposible encontrar verdaderos culpables a los problemas. Lo mejor en estos casos es aceptar lo que a cada uno le toca vivir, con la mayor templanza posible, para seguir adelante día a día, sin mirar demasiado hacia atrás.

Ese es el pensamiento común que suscita La boda de Rachel, de Jonathan Demme, el mismo director de El Silencio de los inocentes y Philadelphia. Una película que explora la culpa, el remordimiento, pero también el amor, a través de un  complicado entramado de relaciones familiares.

Kim (Anne Hathaway) quien a pesar de su corta edad cuenta con un importante historial de drogas, conflictos, y crisis personales, vuelve a la casa de su familia en medio de un tratamiento de rehabilitación, para festejar la boda de su hermana mayor, Rachel (Rosemarie Hewitt).

Durante los días previos a la celebración resurge la angustia y el malestar de una tragedia familiar que amenaza el clima festivo y esperanzador del momento.

Tal como lo pensó su director, la obra aborda con éxito dos lados de una paradoja: la oscura batalla de la culpa, marcada por un tormentoso pasado, y la celebración del amor, la familia, los amigos, a pesar de todo.

La historia fue narrada al estilo Dogma: cámara en mano en gran número de secuencias, iluminación disponible, mucho sonido ambiente, movimientos constantes de la cámara siguiendo a sus personajes. Un estilo elegido para reforzar el carácter documental de la película.

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Las historias de amor suelen generar en el espectador una atracción particular, permitiendo una fácil e inmediata identificación con sus personajes. Pero si además cuentan con una importante cuota de erotismo, misterio y le agregan al objeto de deseo el sabor de lo prohibido, el cóctel resulta mucho más interesante.

En esta ocasión, no sólo se disfrutará de la relación de los protagonistas de la obra. El lector, del cineasta Stephen Daldry (Las Horas) ofrece además un relato que habla sobre el holocausto, aunque de manera creativa, muy diferente a lo que estamos acostumbrados a ver.

Basada en el best seller homónimo del alemán Bernhard Schlink y adaptada por el prestigioso guionista David Hare, la película cuenta la historia de un adolescente de 15 años, Michael Berg (Ralph Fiennes) que inicia una relación apasionada con Hanna (Kate Winslet), una mujer que lo dobla en edad. Se conocen cuando ella lo encuentra descompuesto en una de las calles de Berlín, después de la Segunda Guerra Mundial y lo ayuda para que pueda volver a su casa.

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El cine es un arte a través del cual se expresan subjetividades de todo tipo: sensaciones, sentimientos; puntos de vista o múltiples visiones del mundo, de los sujetos, de los objetos; y al mismo tiempo permite explorar nuestros conflictos, miserias, fantasmas y temores más íntimos. Nos vemos reproducidos y representados en él, cual si fuera un espejo que muestra el fiel reflejo de lo que somos.

Son estas características las que hacen de sus obras objetos de análisis, debate y reflexión. Es decir, el cine, por su naturaleza, nos brinda la posibilidad de lograr un autoconocimiento profundo sobre diversas cuestiones humanas.

Así lo entendieron un grupo de profesores de la Facultad de Psicología de la UNC, quienes, interesados en el diálogo entre el psicoanálisis y la cultura, vieron en el séptimo arte la oportunidad para experimentar ese diálogo. Partiendo de esta idea, organizaron el ciclo “Cine y Psicoanálisis”, que este año transitará su quinta edición.

El mismo se llevará a cabo en el marco de las actividades de extensión de la Universidad Nacional de Córdoba, en el Salón de Actos del Pabellón Argentina, los días 28 de abril, 5, 12 y 19 de mayo próximos.

El ciclo constará de cuatro encuentros; en cada uno de estos se proyectará un filme, y luego se procederá a una disertación a cargo de diferentes psicoanalistas y especialistas  invitados. Según sus organizadores, “ el objetivo de esta actividad es articular diferentes campos disciplinares que permitan pensar problemáticas de nuestro tiempo, que inciden y afectan a los sujetos contemporáneos.”

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 Alejandro Maci es uno de los más exitosos guionistas argentinos de TV. Ahora mismo coescribe la serie “Los exitosos Pells”, junto a Esther Feldman, prepara dos películas para filmar este año y una novela, y acaba de estrenar la obra “La vuelta al hogar”, de Harold Pinter, que dirige en un teatro de Buenos Aires. El diario La Nación lo ha entrevistado:

-¿Cómo se organiza para desarrollar tantos proyectos al mismo tiempo?
Planifico varios en paralelo, pero siempre hay uno que ocupa el primer plano. El momento inicial de un trabajo demanda la mayor parte de la energía. Hasta que toma cuerpo, uno va, viene, deambula en todos los sentidos. Luego, cuando tiene vida propia, uno puede moverse con mayor soltura. A veces avanzo con varias cosas y después la vida se encarga de ordenar las prioridades.

-¿Cuál ocupa hoy todas sus energías?
“La vuelta al hogar”. Es una obra extraordinaria y compleja, que conozco desde los quince años. Demandó un intenso proceso exploratorio con los actores.

-¿Qué recuerda del día que conoció a Pinter?
En 1992, María Luisa Bemberg me invitó al Festival de Cine de Londres, donde iba a presentar su película “De eso no se habla”. En esa época, ella quería filmar el cuento “Cavar un foso”, de Adolfo Bioy Casares, y me preguntó quién podría hacer la adaptación para el cine. Como si fuera un disparate, le propuse a Pinter. Bemberg consiguió una reunión y le llevamos una traducción al inglés del cuento. Hablamos de libros, de películas y de teatro. Pinter nos invitó a comer, a ver su puesta de “Oleanna”, de David Mamet, y al estreno de su obra “Luz de luna”. Fue una experiencia increíble.

-¿Qué le interesó de “La vuelta al hogar”?
La obra transcurre en los años 60, en Inglaterra, en una casa donde vive un grupo familiar formado por hombres. Es una historia de vínculos masculinos que se desarrolla en una madriguera de bestias feroces, a la que llega el hijo mayor con su mujer, a quien nadie conoce. Gira en torno a lo que provoca la presencia de esa mujer en esa casa. Como lector de Pinter, no puedo dejar de notar los ecos de su modo de mirar el mundo y de reflexionar sobre la memoria, la sexualidad, el deseo, el rencor, la envidia, la rivalidad. Tiene un corte realista, pero algo en el relato entra en un espacio ontológico que pone en duda lo temporal. ¿Se trata de un recuerdo? ¿De un deseo reprimido? Uno se pregunta qué sucede de verdad ahí.

-El cine, el teatro y la TV requieren tiempos distintos para su elaboración. ¿Cómo aborda el guión de “Los exitosos Pells”?
El programa empezó a emitirse en noviembre, pero hace más de un año que trabajamos en el guión. En los proyectos compartidos, como en este caso, es fundamental que se genere un buen clima de trabajo. La atmósfera adversa hiere los proyectos. Además, en una serie diaria hay que conformar una arquitectura mecánica que tenga un funcionamiento saludable. Mientras avanzamos con la historia, se filman los capítulos que fueron escritos el año pasado. Eso nos permite escribir con tiempo y no sobre la marcha, como muchas veces sucede en la televisión.

-¿Escriben a cuatro manos o por separado?
Hace tiempo que trabajamos en equipo y tenemos una dinámica de trabajo muy cómoda. Hay momentos en los que avanzamos juntos, otros en los que cada uno avanza por separado, y después intercambiamos los materiales. Tenemos un equipo creativo que trabajó con nosotros en Lalola y en otros proyectos, gente de altísima confiabilidad artística y productiva, que escribe los diálogos.

-Desde el punto de vista del proceso creativo, ¿es más liberador escribir un guión televisivo sin que el programa esté en el aire?
Sí. Parte del atractivo de este proyecto es la posibilidad de tener un margen de reflexión interesante sobre el material producido, no caer en el exabrupto de la instantaneidad, y que haya un cuidado del material. Una cosa es salir del paso y otra, conformar un relato que requiere de ciertos márgenes de reflexión.

-¿Influye la presión del rating a la hora de escribir una historia para televisión?
Por supuesto que es muy distinto escribir un programa para un canal que para otro porque cada uno tiene su personalidad y distintos niveles de competitividad. Lo que es un éxito para América es un fracaso para Telefé.

-Un trabajo excelente por parte del guionista puede levantarse porque no tiene el rating esperado.
Trato, en la medida de lo posible, para vivir relativamente en paz, de tomar conciencia de que la televisión es exitista por naturaleza. Un programa bueno, sin rating, no es bueno. ¿Cómo correrse de esa presión? Yo no soy empresario ni productor, tengo que poder pensar en un proyecto más allá de sus cuestiones comerciales porque si no, es muy angustiante.

-Pero usted vive de eso. No es un hobby. ¿Cómo hace para crear en medio de semejante realidad?
Es bastante esquizofrénico y complejo. Requiere de mucho trabajo, incluso con mi psicoanalista. En 2001 me quedó plata de un concurso en el corralito. Estaba en Mar del Plata con todo el equipo y el elenco. Resolví seguir rodando en Buenos Aires y poner el dinero de mi bolsillo y el de la productora, cuando sólo se podían sacar 250 pesos por semana del banco. Lo terminamos. Nunca salió al aire y jamás nos devolvieron la plata que gastamos. …sas son las condiciones de trabajo en la Argentina: a veces, más extremas; a veces, menos. Pero nunca se sabe. La parte buena, si es que se puede encontrar algo bueno en este sistema tan poco saludable, es que logramos mantener la creatividad en medio del caos. Un europeo va directo a los antidepresivos.

-Cuando empezaron a escribir “Lalola” y “Los exitosos Pells”, ¿tenían las historias completas o aparecieron cambios de rumbo sobre la marcha?
En principio, los programas se piensan para 120 capítulos. En la repartición clásica, son 40 para la presentación, 40 para el nudo y 40 para el desenlace. En todo relato hay una parte central, que es terrorífica, que es el desarrollo. Introducir y concluir parecería no ser tan difícil. En el desarrollo, en cambio, se puede tropezar. …se es el gran problema: ¿cómo se cuenta lo que hay en el medio? Puestos a trabajar, tratamos de tener una visualización, describir con tres palabras cada parte. Después hay que ensuciarse las manos: meterse en el día a día y poner en crisis eso. Si uno no tiene un sentido general, aunque sea como hipótesis, no puede avanzar. La serie diaria, inevitablemente, es nieta, bisnieta o tataranieta de Madame Bovary : un relato por entregas, vecino del melodrama, dos que se quieren y una imposibilidad de quererse.

-En “Los Pells hay críticas a la industria televisiva. Se muestra un mundo de competencia salvaje, donde hay hasta cambios de identidad.
Nunca debe anteponerse la segunda lectura a la primera, pero siempre existe: la cuestión de la identidad, quién soy y quién creés que soy. El ser y el parecer son claves de este relato. La idea no era hacer crítica. Cuando proponemos algo con Esther, lo hacemos porque lo consideramos rico para la historia, no porque queremos hacer una denuncia. También es cierto que contamos con un productor que tiene mente abierta: nosotros lo escribimos, el productor nos dice “adelante” y el canal lo pone en el aire. En el caso de Los Pells , lo que se desenmascara es la identidad construida: lo que el público consume por televisión no es tal como se ve. Está creado para que el público lo vea, lo desee y quiera parecerse. O vivan infelices creyendo que nunca llegarán a algo que ni siquiera existe.

-¿De qué tratan las películas que va a filmar en el transcurso de este año?
El origen de la historia es una coproducción con Patagonik y Congo Films, cuyo guión escribí hace años junto a Javier Daulte. El punto de partida es una chica abandonada por un hombre, que, en su desesperación por recuperarlo, ocasiona una hecatombre. Tiene una serie de fracturas en la construcción del relato que permiten que el público sepa más que los personajes sobre lo que sucede. El otro proyecto es un guión de Matías Umpiérrez, que se llama Lo que queda del beso : es una historia magnífica que sucede en una casa de campo a puertas cerradas, un relato familiar que habla sobre un reencuentro explosivo. Julio Chávez interpretará al padre y Mercedes Morán, a la madre. Tengo mucho deseo de trabajar con ellos.

-Además firmó contrato con Planeta para escribir una novela. ¿En qué etapa se encuentra el libro?
Pop Art va a integrar una colección, a cargo de Esther Feldman, de novelas escritas por guionistas. Es un proyecto que ya se hizo en España y se hace por primera vez en la Argentina. La historia transcurre en Buenos Aires en los años 60 y está en etapa de desarrollo. Tengo una idea muy concreta sobre qué es y cómo contarla. Sólo tengo que sentarme a escribir.

-¿Qué disfruta más de todo lo que hace?
El trabajo con los actores es muy inspirador, pero totalmente exterior a mi intimidad. Hay un momento en el que necesito la soledad, rodearme de mis objetos familiares, de mis libros. Necesito mi vuelta al hogar.

© La Nación / abc guionistas

03/02/2009 09:45:26

El Che Guevara es el perfecto símbolo del espíritu revolucionario e idealista. Un ícono que representa la rebelión en su concepción más romántica. Su imagen  trascendió fronteras y aunque sus detractores lo hayan considerado como a un simple criminal que quería imponer sus ideas a través de la coacción y la violencia, hay una versión de la Historia, mucho más fuerte, que lo reivindica como a uno de los grandes mentores de la Revolución Cubana. Un luchador incansable que era capaz de arriesgar su vida, con tal de que triunfaran la “verdad” y la “justicia”, o lo que para él significaban esos conceptos.
Es bajo esta última perspectiva, que el actor boricua Benicio del Toro, encarna al joven médico devenido en soldado revolucionario, en Che: El Argentino, filme del talentoso director Steven Soderbergh.
 La caracterización lograda es sencillamente increíble. El parecido físico del actor con el personaje histórico constituye, desde el arranque, un punto a favor. A medida que va transcurriendo el relato disfrutamos no sólo del envase, sino también de su contenido. Del Toro realiza una interpretación brillante, soberbia, comprometida. De eso no hay ninguna duda. Por tal motivo, obtuvo, entre otros reconocimientos, el premio al “Mejor Actor” en el Festival de Cannes.

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Eliseo Subiela es un prolífico director de cine argentino, con todo lo que ello significa. Es decir, hacer cine en nuestro país y mantenerse a lo largo del tiempo, realizando las obras que se tiene en mente, a pesar de las crisis económicas y los efectos que las mismas producen en cualquier bolsillo, es todo un mérito. Sobretodo, sabiendo que por estas latitudes, nunca ha sido fácil para los artistas y el séptimo arte en particular, solventar sus producciones, por diversos factores.

Con más de 19 películas hechas, este cineasta, reconocido por las obras” El lado oscuro del corazón”, “No te mueras sin decirme a dónde vas” entre otras, logró consolidarse y trascender con un estilo particular, a través del cual expresa, según sus propias palabras, “lo que le dicta el corazón”.Así es Subiela, sentimental, poético, apasionado por su profesión.  

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No se trata de una película de terror más, ni de una obra maestra. Sin embargo REC, dirigida por los españoles Paco Plaza y Jaume Balagueró produce el efecto deseado en el espectador. El horror inunda la sala de cine, la tensión aumenta a medida que avanza el filme y el desasosiego que genera en quienes están del otro lado de la pantalla, por momentos se vuelve tan real que llega a afectar. De repente uno siente el pecho oprimido y el corazón late más fuerte de lo normal.
Aunque la película relate durante sus 80 intensos minutos una historia de terror fantástica, la técnica utilizada para contarla es la que genera esa sensación de realidad y cercanía con los zombies que no dejan títere sin cabeza. Otro punto fuerte es la atmósfera lúgubre, oscura y despiadada que somete a sus personajes a una claustrofobia sin igual.

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En el marco de Cortópolis, el sábado por la tarde, tuve la oportunidad de conversar con uno de los cortometristas más prestigiosos de España: Xavi Sala. Se encontraba en el Centro Cutural España Córdoba, impartiendo un novedoso taller sobre Guión Creativo para Celumetrajes, formato joven pero con gran cantidad de adeptos. Este realizador es licenciado en Ciencias de la Información en la especialidad de Periodismo, y autor de diversos guiones y tratamientos cinematográficos para largometrajes, entre los que destacan: Viatge d’estudis, Bienvenida, María, Forasteros y Pura escapada. Además fue ganador de festivales, con cortometrajes como Hiyab (nominado al Goya) o La parabólica. Aunque me acerqué a él apenas inició el break del taller que estaba dictando, momento de descanso por cierto, Xavi accedió a hablar con total amabilidad y predisposición.

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La argentina Aída Bortnik, cuya cinta “La historia oficial” fue galardonada con el Oscar, será la encargada de trasladar a la gran pantalla una de las más populares novelas del escritor colombiano más popular del mundo, publicada hace doce años.

García Márquez vuelve a la pantalla, y ya con fecha: el segundo trimestre de 2009 para el rodaje y 2010 para el estreno. Su novela “Noticia de un secuestro”, viene a unirse a una racha de adaptaciones de obras del Nobel colombiano que incluye en estos últimos dos años a “El amor en los tiempos del cólera” y “Del amor y otros demonios”.

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